Anggi Luna Diary 24032024

Diary of Anggi Luna 24032024

Cinématographie partie 8
Rapport hauteur/largeur et cadrage
Le rapport hauteur/largeur d’une image est le rapport entre sa largeur et sa hauteur. Cela peut être exprimé soit sous forme d'un rapport de 2 entiers, tel que 4:3, soit sous un format décimal, tel que 1,33:1 ou simplement 1,33. Différents ratios fournissent différents effets esthétiques. Les normes relatives aux proportions ont considérablement varié au fil du temps.

À l'ère du silence, les formats d'image variaient considérablement, du carré 1:1 jusqu'à l'extrême écran large 4:1 Polyvision. Cependant, à partir des années 1910, les films muets s'installent généralement au format 4:3 (1,33). L'introduction du son sur film a brièvement réduit le rapport hauteur/largeur, pour laisser de la place à une bande sonore. En 1932, une nouvelle norme fut introduite, le rapport Academy de 1,37, grâce à un épaississement de la ligne du cadre.

Pendant des années, les cinéastes grand public ont été limités à utiliser le format Academy, mais dans les années 1950, grâce à la popularité de Cinerama, des formats grand écran ont été introduits dans le but de ramener le public au cinéma et loin de son téléviseur. Ces nouveaux formats grand écran offraient aux cinéastes un cadre plus large dans lequel composer leurs images.

De nombreux systèmes photographiques exclusifs ont été inventés et utilisés dans les années 1950 pour créer des films grand écran, mais un film dominait : le processus d'anamorphose, qui comprime optiquement l'image pour photographier deux fois la zone horizontale à la même taille verticale que les objectifs « sphériques » standards. Le premier format anamorphique couramment utilisé était CinemaScope, qui utilisait un rapport hauteur/largeur de 2,35, alors qu'il était à l'origine de 2,55. CinemaScope a été utilisé de 1953 à 1967, mais en raison de défauts techniques dans la conception et de sa propriété par Fox, plusieurs sociétés tierces, dirigées par les améliorations techniques de Panavision dans les années 1950, ont dominé le marché des objectifs cinéma anamorphiques. Les modifications apportées aux normes de projection SMPTE ont modifié le rapport projeté de 2,35 à 2,39 en 1970, bien que cela n'ait rien changé en ce qui concerne les normes d'anamorphose photographique ; tous les changements concernant le rapport hauteur/largeur de la photographie anamorphique 35 mm sont spécifiques aux tailles de caméra ou de porte du projecteur, et non au système optique. Après les « guerres du grand écran » des années 1950, l'industrie cinématographique a adopté le format 1,85 comme norme pour la projection en salles aux États-Unis et au Royaume-Uni. Il s'agit d'une version recadrée de 1.37. L'Europe et l'Asie ont initialement opté pour 1,66, même si le taux de 1,85 a largement imprégné ces marchés au cours des dernières décennies. Certains films « épiques » ou d'aventure utilisaient l'anamorphique 2,39 (souvent incorrectement noté « 2,40 »).

Dans les années 1990, avec l'avènement de la vidéo haute définition, les ingénieurs de la télévision ont créé le rapport 1,78 (16:9) comme un compromis mathématique entre la norme cinématographique de 1,85 et celle de la télévision de 1,33, car il n'était pas pratique de produire un tube de télévision CRT traditionnel. avec une largeur de 1,85. Jusqu'à ce changement, rien n'avait jamais été créé dans la version 1.78. Aujourd’hui, il s’agit d’une norme pour la vidéo haute définition et pour la télévision grand écran.

Éclairage
La lumière est nécessaire pour créer une exposition d'image sur une image de film ou sur une cible numérique (CCD, etc.). L’art de l’éclairage pour le cinéma va cependant bien au-delà de l’exposition de base et s’étend à l’essence même de la narration visuelle. L’éclairage contribue considérablement à la réaction émotionnelle du public qui regarde un film. L'utilisation accrue de filtres peut avoir un impact considérable sur l'image finale et affecter l'éclairage.

Importance de l'éclairage dans un film L'éclairage dans un film est essentiel pour trois raisons principales : la visibilité, la composition et l'ambiance. Premièrement, l’éclairage garantit que le sujet ou la scène est correctement éclairé, permettant aux spectateurs de percevoir les détails et de comprendre le récit. Cela aide à guider l'attention du public sur des éléments spécifiques du cadre, en mettant en évidence des personnages ou des objets importants. Deuxièmement, l’éclairage contribue à la composition d’un plan. Les cinéastes placent stratégiquement les lumières pour créer un équilibre, de la profondeur et un intérêt visuel dans le cadre. Cela leur permet de contrôler les éléments visuels de la scène, en mettant l’accent sur certaines zones et en atténuant d’autres. Enfin, l’éclairage a un impact significatif sur l’ambiance et l’atmosphère d’un film. En manipulant l'intensité de la lumière, la couleur et la direction, les cinéastes peuvent évoquer différentes émotions et améliorer le récit. Un éclairage vif et uniforme peut évoquer un sentiment de sécurité et de bonheur, tandis qu'un éclairage discret avec des ombres peut créer de la tension, du mystère ou de la peur. Le choix du style d'éclairage peut également refléter le genre du film, comme l'éclairage à contraste élevé couramment utilisé dans le film noir.

Techniques d'éclairage

De nombreuses techniques d'éclairage sont utilisées dans la réalisation de films pour obtenir les effets souhaités. Voici quelques techniques couramment utilisées : Éclairage à trois points : Cette technique classique implique l'utilisation de trois lumières : la lumière principale, la lumière d'appoint et le rétroéclairage. La lumière principale sert de source principale, éclairant le sujet d’un côté pour créer de la profondeur et de la dimension. La lumière d’appoint réduit les ombres causées par la lumière principale, adoucissant ainsi l’éclairage général. Le rétroéclairage sépare le sujet de l’arrière-plan, créant un effet de halo et renforçant la sensation de profondeur. Éclairage High Key : Un éclairage High Key produit une scène lumineuse et uniformément éclairée, souvent utilisée dans les comédies ou les films légers. Il minimise les ombres, créant une atmosphère joyeuse et optimiste. Éclairage discret : L'éclairage discret consiste à utiliser une seule lumière principale ou quelques lumières stratégiquement placées pour créer des contrastes forts et des ombres profondes. Cette technique est couramment utilisée dans les genres du film noir et de l'horreur pour évoquer le suspense, le mystère ou la peur.

Éclairage naturel :

Les cinéastes utilisent parfois l’éclairage naturel pour créer un look authentique et réaliste. Cette technique utilise des sources de lumière existantes, telles que la lumière du soleil ou des lampes pratiques, sans éclairage artificiel supplémentaire. On le voit souvent dans des scènes extérieures ou dans des films visant une esthétique naturaliste. Éclairage coloré : L’utilisation de lumières ou de gels colorés peut modifier considérablement l’ambiance et l’atmosphère d’une scène. Différentes couleurs évoquent différentes émotions et peuvent améliorer la narration. Par exemple, les tons chauds comme le rouge ou l’orange peuvent créer une sensation de chaleur ou de passion, tandis que les tons froids comme le bleu peuvent exprimer de la tristesse ou de l’isolement.

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