Anggi Luna Diary 16122023

Histoire du cinéma
Nouvelles techniques
À cette époque, les studios étaient dans l'obscurité pour permettre au tournage de ne pas être affecté par les changements de lumière du soleil. Celui-ci a été remplacé par des projecteurs et des spots. L'adoption généralisée de l'irising-in et out pour commencer et terminer les scènes s'est répandue au cours de cette période. C'est la révélation d'un film tourné dans un masque circulaire, qui s'agrandit progressivement jusqu'à s'étendre au-delà du cadre. D'autres fentes de forme ont été utilisées, notamment des ouvertures verticales et diagonales.

Une nouvelle idée issue de la photographie fixe était la « mise au point douce ». Cela a commencé en 1915, avec certains plans intentionnellement flous pour un effet expressif, comme dans la vedette de Mary Pickford, Fanchon the Cricket.

C’est à cette époque que les effets de caméra destinés à transmettre les sentiments subjectifs des personnages d’un film commencent réellement à se mettre en place. Celles-ci pourraient désormais être réalisées sous forme de plans de point de vue (POV), comme dans The Story of the Glove (1915) de Sidney Drew, où une prise de vue bancale d'une porte et de son trou de serrure représente le POV d'un homme ivre. L'utilisation d'images anamorphiques (au sens général de forme déformée) apparaît pour la première fois dans ces années où Abel Gance réalise la Folie du Docteur Tube. Dans ce film, l'effet d'une drogue administrée à un groupe de personnes était suggéré en tournant les scènes reflétées dans un miroir déformant de type forain.

Les effets symboliques issus de la tradition littéraire et artistique conventionnelle ont continué à faire leur apparition dans les films au cours de ces années. Dans The Avenging Conscience (1914) de D. W. Griffith, le titre « La naissance de la mauvaise pensée » précède une série de trois plans du protagoniste regardant une araignée et des fourmis mangeant un insecte. L’art et la littérature symbolistes du début du siècle ont également eu un effet plus général sur un petit nombre de films réalisés en Italie et en Russie. L'acceptation couchée de la mort résultant de la passion et des désirs interdits était une caractéristique majeure de cet art, et les états de délire longuement évoqués étaient également importants.

L'utilisation de plans insérés, c'est-à-dire de gros plans d'objets autres que des visages, avait déjà été établie par l'école de Brighton, mais était rarement utilisée avant 1914. Ce n'est véritablement qu'avec The Avenging Conscience de Griffith qu'une nouvelle phase dans l'utilisation du Insert Shot démarre. En plus des inserts symboliques déjà mentionnés, le film a également largement utilisé un grand nombre de plans en gros plan de mains agrippées et de tapotements de pieds comme moyen de mettre l'accent sur ces parties du corps en tant qu'indicateurs de tension psychologique.

Les inserts atmosphériques ont été développés en Europe à la fin des années 1910. Ce type de plan fait partie d'une scène qui ne contient aucun des personnages de l'histoire et aucun plan de point de vue n'est vu par l'un d'eux. Un premier exemple est celui de Maurice Tourneur réalisé La Fierté du clan (1917), dans lequel il y a une série de plans de vagues battant sur un rivage rocheux pour démontrer la dure vie des pêcheurs. Nelson de Maurice Elvey ; L'histoire du héros naval immortel d'Angleterre (1919) comporte une séquence symbolique passant d'une image de l'empereur Guillaume II à un paon, puis à un cuirassé.

En 1914, le cinéma de continuité était le mode établi du cinéma commercial. L'une des techniques avancées de continuité impliquait une transition précise et fluide d'un plan à l'autre. Le découpage sous différents angles au sein d'une scène est également devenu une technique bien établie pour disséquer une scène en plans dans les films américains. Si la direction du tir change de plus de quatre-vingt-dix degrés, on parle de coupe à angle inversé. La figure de proue du développement du montage à angle inversé fut Ralph Ince dans ses films, tels que The Right Girl et His Phantom Sweetheart.

L'utilisation de structures de flash-back a continué à se développer au cours de cette période, la manière habituelle d'entrer et de sortir d'un flash-back étant par une dissolution. The Man That Might Have Been (William J. Humphrey, 1914) de la Vitagraph Company est encore plus complexe, avec une série de rêveries et de flash-backs qui contrastent le passage réel du protagoniste dans la vie avec ce qui aurait pu être si son fils l'avait fait. pas mort.

Après 1914, le croisement d’actions parallèles commença à être utilisé – davantage dans les films américains que dans les films européens. Le croisement a été utilisé pour obtenir de nouveaux effets de contraste, comme la séquence croisée dans The Whispering Chorus (1918) de Cecil B. DeMille, dans laquelle un mari supposé mort a une liaison avec une prostituée chinoise dans une fumerie d'opium, tandis que simultanément sa femme, sans le savoir, se remarie à l'église.

La coloration des films muets a également gagné en popularité au cours de ces périodes. La teinte ambre signifiait le jour ou la nuit très éclairée, les teintes bleues signifiaient l'aube ou la nuit faiblement éclairée, la teinte rouge représentait des scènes d'incendie, la teinte verte signifiait une atmosphère mystérieuse et les teintes brunes (alias sépia) étaient généralement utilisées pour les longs métrages. au lieu de scènes individuelles. D.W. L'épopée révolutionnaire de Griffiths, La Naissance d'une nation, le célèbre film Dr. Jekyll et Mr. Hyde de 1920, et l'épopée de Robert Wiene de la même année, Le Cabinet du Dr Caligari, sont quelques exemples notables de films muets teintés. .

Le Photo-Drame de la Création, présenté pour la première fois au public en 1914, fut le premier scénario majeur à incorporer du son synchronisé, un film animé et des diapositives couleur. Jusqu’en 1927, la plupart des films étaient produits sans son. Cette période est communément appelée l’ère muette du cinéma.

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