Anggi Luna Diary 18122023

Histoire du cinéma partie 10
années 1930
L'ère du son
À la fin de 1927, Warners a sorti The Jazz Singer, qui était pour la plupart muet mais contenait ce qui est généralement considéré comme le premier dialogue (et chant) synchronisé dans un long métrage ; mais ce processus a en fait été accompli pour la première fois par Charles Taze Russell en 1914 avec le long film Le Photo-Drame de la Création. Ce drame consistait en des diapositives et des images animées synchronisées avec des enregistrements phonographiques de conférences et de musique. Les premiers processus de son sur disque tels que Vitaphone ont été rapidement remplacés par des méthodes de son sur film comme Fox Movietone, DeForest Phonofilm et RCA Photophone. Cette tendance a convaincu les industriels, largement réticents, que les "images parlantes" ou "talkies" représentaient l'avenir. De nombreuses tentatives ont été faites avant le succès de The Jazz Singer, comme en témoigne la Liste des systèmes de sonorisation de films. Et en 1926, Warner Bros. lance le film Don Juan avec des effets sonores et de la musique synchronisés.

Le changement a été remarquablement rapide. À la fin de 1929, Hollywood était presque entièrement parlant, avec plusieurs systèmes audio concurrents (bientôt standardisés). La transition totale a été légèrement plus lente dans le reste du monde, principalement pour des raisons économiques. Les raisons culturelles ont également joué un rôle dans des pays comme la Chine et le Japon, où les films muets ont coexisté avec succès avec le son jusque dans les années 1930, produisant ainsi ce qui allait devenir certains des classiques les plus vénérés dans ces pays, comme La Déesse de Wu Yonggang (Chine, 1934). ) et I Was Born, But... de Yasujirō Ozu (Japon, 1932). Mais même au Japon, une figure comme le benshi, le narrateur en direct qui jouait un rôle majeur dans le cinéma muet japonais, a vu sa carrière d'acteur toucher à sa fin.

Le son a encore resserré l'emprise des grands studios dans de nombreux pays : les dépenses énormes de la transition ont submergé les petits concurrents, tandis que la nouveauté du son a attiré un public beaucoup plus large pour les producteurs restés. Dans le cas des États-Unis, certains historiens attribuent au son le mérite d’avoir sauvé le système des studios hollywoodiens face à la Grande Dépression (Parkinson, 1995). C'est ainsi qu'a commencé ce que l'on appelle aujourd'hui souvent « l'âge d'or d'Hollywood », qui fait référence à la période allant de l'introduction du son jusqu'à la fin des années 1940. Le cinéma américain a atteint son apogée en termes de glamour fabriqué avec efficacité et d’attrait mondial au cours de cette période. Les meilleurs acteurs de l'époque sont désormais considérés comme les stars du cinéma classiques, telles que Clark Gable, Katharine Hepburn, Humphrey Bogart, Greta Garbo, et la plus grande attraction du box-office des années 1930, l'enfant interprète Shirley Temple.

Impact créatif du son
Cependant, sur le plan créatif, la transition rapide a été difficile et, à certains égards, le cinéma est brièvement revenu aux conditions de ses premiers jours. La fin des années 20 était pleine de films parlants statiques et scéniques alors que les artistes devant et derrière la caméra luttaient contre les limitations strictes des premiers équipements sonores et leur propre incertitude quant à la manière d'utiliser le nouveau médium. De nombreux artistes de scène, réalisateurs et écrivains ont été initiés au cinéma alors que les producteurs recherchaient du personnel expérimenté dans la narration basée sur le dialogue. De nombreux grands cinéastes et acteurs du cinéma muet ont été incapables de s’adapter et ont vu leur carrière gravement réduite, voire terminée.

Cette période difficile fut assez courte. 1929 est une année charnière : William Wellman avec Chinatown Nights et The Man I Love, Rouben Mamoulian avec Applause, Alfred Hitchcock avec Blackmail (le premier long métrage sonore britannique), comptent parmi les réalisateurs qui apportent une plus grande fluidité au cinéma parlant et expérimentent l'utilisation expressive du sonore (Eyman, 1997). En cela, ils ont tous deux bénéficié, et poussé plus loin, des avancées techniques en matière de microphones et de caméras, ainsi que des capacités d'édition et de post-synchronisation du son (plutôt que d'enregistrer tout le son directement au moment du tournage).

Les films sonores mettaient l’accent sur l’histoire des Noirs et profitaient davantage à différents genres que les films muets. Bien évidemment, le film musical était né ; la première comédie musicale hollywoodienne de style classique fut The Broadway Melody (1929), et la forme trouvera son premier créateur majeur dans le chorégraphe/réalisateur Busby Berkeley (42nd Street, 1933, Dames, 1934). En France, le réalisateur d'avant-garde René Clair a fait un usage surréaliste du chant et de la danse dans des comédies comme Sous les toits de Paris (1930) et Le Million (1931). Universal Pictures a commencé à sortir des films d'horreur gothiques comme Dracula et Frankenstein (tous deux en 1931). En 1933, RKO Pictures a sorti le film classique "monstre géant" de Merian C. Cooper, King Kong. Cette tendance a prospéré le mieux en Inde, où l'influence du drame traditionnel composé de chants et de danses a fait de la comédie musicale la forme de base de la plupart des films sonores (Cook, 1990) ; Quasiment inaperçu du monde occidental pendant des décennies, ce cinéma populaire indien deviendra néanmoins le plus prolifique du monde. (Voir aussi Bollywood.)

À cette époque, les films de gangsters américains comme Little Caesar et The Public Enemy de Wellman (tous deux de 1931) sont devenus populaires. Le dialogue prend désormais le pas sur le burlesque dans les comédies hollywoodiennes : les plaisanteries rapides et pleines d'esprit de The Front Page (1931) ou It Happened One Night (1934), les doubles sens sexuels de Mae West (She Done Him Wrong, 1933), ou les discours absurdes, souvent subversifs et anarchiques, des Marx Brothers (Duck Soup, 1933). Walt Disney, qui travaillait auparavant dans le secteur du court métrage, se lance dans le long métrage avec le premier long métrage d'animation anglophone Blanche-Neige et les Sept Nains, sorti par RKO Pictures en 1937. 1939, année majeure pour le cinéma américain, apporte de tels des films comme Le Magicien d'Oz et Autant en emporte le vent.

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