Anggi Luna Diary 20122023

Diary of Anggi Luna 20122023

Histoire du film partie 11
La couleur au cinéma
Environ 80 pour cent des films des années 1890 aux années 1920 étaient en couleurs. Beaucoup utilisaient des bains de teinture pour films monochromatiques, certains faisaient peindre les cadres à la main en plusieurs couleurs transparentes et, depuis 1905, il existait un procédé mécanisé au pochoir (Pathécolor).

Kinemacolor, le premier procédé couleur cinématographique à succès commercial, a produit des films en deux couleurs (rouge et cyan) de 1908 à 1914.

Le procédé naturel de couleur à trois bandes de Technicolor a été introduit avec beaucoup de succès en 1932 avec le court métrage d'animation de Walt Disney, lauréat d'un Oscar, "Fleurs et arbres", réalisé par Burt Gillett. Le Technicolor était initialement utilisé principalement pour des comédies musicales comme « Le Magicien d'Oz » (1939), dans des films en costumes comme « Les Aventures de Robin des Bois » et dans l'animation. Peu de temps après que la télévision soit devenue répandue au début des années 1950, la couleur est devenue plus ou moins la norme pour les films de cinéma.

années 1940
La Seconde Guerre mondiale et ses conséquences
Le désir de propagande de guerre contre l'opposition a créé une renaissance de l'industrie cinématographique en Grande-Bretagne, avec des drames de guerre réalistes comme 49e parallèle (1941), Went the Day Well ? (1942), The Way Ahead (1944) et le célèbre film naval de Noël Coward et David Lean, In Which We Serve en 1942, qui a remporté un Oscar spécial. Ceux-ci coexistaient aux côtés de films plus flamboyants comme The Life and Death of Colonel Blimp (1943) de Michael Powell et Emeric Pressburger, A Canterbury Tale (1944) et A Matter of Life and Death (1946), ainsi que le film Henry V de Laurence Olivier de 1944, basé sur l'histoire shakespearienne d'Henry V. Le succès de Blanche-Neige et les Sept Nains a permis à Disney de réaliser davantage de longs métrages d'animation comme Pinocchio (1940), Fantasia (1940), Dumbo (1941) et Bambi (1942).

Le début de l’implication des États-Unis dans la Seconde Guerre mondiale a également entraîné une prolifération de films à la fois de patriotisme et de propagande. Les films de propagande américains comprenaient Desperate Journey (1942), Mrs. Miniver (1942), Forever and a Day (1943) et Objective, Burma ! (1945). Les films américains notables des années de guerre incluent le film anti-nazi Watch on the Rhine (1943), scénarisé par Dashiell Hammett ; L'Ombre d'un doute (1943), réalisation par Hitchcock d'un scénario de Thornton Wilder ; le film biographique de George M. Cohan, Yankee Doodle Dandy (1942), avec James Cagney, et le très populaire Casablanca, avec Humphrey Bogart. Bogart jouera dans 36 films entre 1934 et 1942, dont The Maltese Falcon (1941) de John Huston, l'un des premiers films désormais considérés comme un film noir classique. En 1941, RKO Pictures sort Citizen Kane réalisé par Orson Welles. Il est souvent considéré comme le plus grand film de tous les temps. Cela ouvrirait la voie au cinéma moderne, car il révolutionnerait la narration cinématographique.

Les contraintes du temps de guerre ont également suscité un intérêt pour des sujets plus fantastiques. Il s'agissait notamment des mélodrames britanniques de Gainsborough (dont The Man in Grey et The Wicked Lady) et de films comme Here Comes Mr. Jordan, Heaven Can Wait, I Married a Witch et Blithe Spirit. Val Lewton a également produit une série de films d'horreur atmosphériques et influents à petit budget, parmi les exemples les plus célèbres étant Cat People, Isle of the Dead et The Body Snatcher. Cette décennie a probablement aussi vu les soi-disant « images de femmes », comme Now, Voyager, Random Harvest et Mildred Pierce, au sommet de leur popularité.

En 1946, RKO Radio sort C'est une vie magnifique réalisé par le cinéaste d'origine italienne Frank Capra. Les soldats revenant de la guerre ont inspiré des films comme Les plus belles années de nos vies, et nombre de ceux qui travaillent dans l'industrie cinématographique ont servi à un certain titre pendant la guerre. Les expériences de Samuel Fuller pendant la Seconde Guerre mondiale influenceront ses films largement autobiographiques des décennies suivantes, tels que The Big Red One. L'Actors Studio a été fondé en octobre 1947 par Elia Kazan, Robert Lewis et Cheryl Crawford, et la même année, Oskar Fischinger a filmé Motion Painting No. 1.

En 1943, Ossessione est projeté en Italie, marquant le début du néoréalisme italien. Les principaux films de ce type dans les années 1940 comprenaient Bicycle Thieves, Rome, Open City et La Terra Trema. En 1952 sort Umberto D, généralement considéré comme le dernier film de ce type.

À la fin des années 1940, en Grande-Bretagne, les studios Ealing se lancent dans une série de comédies célèbres, dont Whiskey Galore!, Passport to Pimlico, Kind Hearts and Coronets et The Man in the White Suit, et Carol Reed réalise ses thrillers influents Odd Man Out, L'idole déchue et le troisième homme. David Lean devenait également rapidement une force du cinéma mondial avec Brief Encounter et ses adaptations de Dickens Great Expectations et Oliver Twist, et Michael Powell et Emeric Pressburger allaient tirer le meilleur parti de leur partenariat créatif avec des films comme Black Narcissus et The Red Shoes.

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